Nota: Ainda estão faltando as pinturas, se perderam nas notas originais e serão adicionadas em breve
Ao longo de muitas gerações, em inúmeras culturas e sociedades, artistas de todos os tipos foram inspirados, fascinados e cativados pelo conceito do além. Desde os tempos medievais, artistas por toda a Europa e, eventualmente, outros continentes mergulharam em suas próprias interpretações do que podemos encontrar ao entrar pelos divinos portões do céu ou, por outro lado, no pior dos casos, o que se pode ver ou experimentar ao ser condenado aos poços do inferno.
Sempre fui muito curioso sobre as diferentes interpretações dos artistas sobre o céu e o inferno, desde que coloquei os olhos nas incríveis obras detalhadas de Hieronymus Bosch. Além da pintura e ilustração, interpretações artísticas do que podemos descobrir após nosso fim inevitável também entraram na literatura. O famoso poeta e filósofo Dante Alighieri completou um épico poema narrativo chamado “A Divina Comédia”, detalhando uma jornada do inferno ao purgatório e, eventualmente, ao céu. Este manuscrito iniciaria uma trilha de obras literárias semelhantes gerações depois, como “Paraíso Perdido” de John Milton. Como a pintura e a escrita são duas formas de arte que andam de mãos dadas, muitos artistas ao longo das eras começaram a ilustrar cenas desses escritos, incluindo, é claro, o reino do inferno.
Não posso deixar de achar fascinante como, em algum momento de nossa história, artistas e escritores, de certa forma, reinterpretaram as leis e aspectos visuais do além, em vez de aderirem estritamente aos ensinamentos da igreja. Considero isso um marco verdadeiramente revolucionário na expressão artística, considerando o quanto a vasta maioria das pessoas religiosas da época ficaria enfurecida ao ver e ler tais coisas. E, claro, isso continuaria a inspirar muitos outros artistas, cineastas, escritores, músicos e todos os demais até os dias atuais.
Hoje, estaremos navegando pelo grande abismo enquanto observamos diferentes pinturas do inferno. Esta pintura é chamada “Pandemônio ou Paraíso Perdido”, do pintor inglês romântico, gravurista e ilustrador John Martin, produzida em 1841. Martin baseia sua pintura no épico poema “Paraíso Perdido”, escrito por John Milton. Somos apresentados a uma cena apocalíptica intensa de escuridão e chama. As colossais paredes e a arquitetura que vemos aqui são a interpretação de Martin do Pandemônio, descrito por John Milton como o palácio de Satanás e seus seguidores no inferno.
O poema é bastante complicado e uma leitura incrivelmente longa, então vou apenas resumir brevemente, da melhor forma que puder, para quem não está familiarizado com ele. Completado em 1667, “Paraíso Perdido” era um poema consistindo de mais de 10.000 linhas de verso, dividido em diferentes livros, contando a história bíblica da queda do homem, que é essencialmente o primeiro ato de desobediência da humanidade em relação a Deus e as consequências que se seguiram. O ato a que me refiro é o de Adão e Eva consumindo uma fruta proibida da árvore do conhecimento, como contado no livro de Gênesis.
Milton descreve este pecado original como trazendo a morte para os seres humanos pela primeira vez, fazendo-nos perder nosso lar no paraíso até que Jesus venha restaurar a humanidade à sua posição anterior de pureza. Satanás, ou anteriormente conhecido como Lúcifer, o anjo caído, é fortemente proeminente no poema no primeiro livro do “Paraíso Perdido” e poderia até ser considerado o protagonista principal, além de Adão e Eva. E é aqui que somos primeiramente introduzidos ao Pandemônio, e é onde Milton dá uma descrição bastante interessante da escala deste lugar. Apesar dessas paredes e arquitetura que aqui apreciamos pareçam imensas, o tamanho é relativo nos reinos do inferno, e Milton menciona que os demônios na verdade têm de encolher para entrar na cidadela. O que poderia significar que, ou o Pandemônio era de fato bastante pequeno se os demônios tivessem o tamanho humano, ou o palácio era incrivelmente grande, mas os demônios eram ainda mais gigantescos. No livro, a cidade foi dita ter sido construída em menos de uma hora, superando em muito qualquer estrutura jamais construída pelo homem, e reputada a ser feita de ouro sólido.
A figura que aqui vemos é supostamente Satanás, observando o Pandemônio de longe, possivelmente durante os momentos de sua construção, conforme emerge das profundezas. Ele parece estar usando um capacete e escudo grego antigo, descrito como semelhante em aparência a Aquiles observando a cidade de Troia, uma abordagem nada surpreendente, considerando que, de modo similar à “Divina Comédia”, “Paraíso Perdido” foi inspirado pela literatura grega e romana, assim como pela Bíblia.
Ao longe, podemos ver um raio, que parece mais um jato de fogo do que um raio, perfurando o céu de fumaça negra. Sempre que vejo esta pintura, quase posso sentir o calor e os vapores sufocantes que parecem irradiar de sua obra. Absolutamente amo como a luz das chamas reflete nas rochas e no escudo de Satanás, criando uma atmosfera realística da pintura. É uma pintura que se parece com uma cena de filme para mim; há um verdadeiro senso de movimento na pintura quando a observo por tempo suficiente, e é fascinante ver tanto detalhe em uma pintura que assumo ter sido completada puramente pela imaginação.
A próxima pintura que vemos aqui é intitulada “O Mapa do Inferno”, de Sandro Botticelli. Desta vez, o artista explora uma peça literária diferente, baseada no submundo, especificamente o famoso livro da “Divina Comédia” de Dante Alighieri, chamado “Inferno”. Para aqueles não familiarizados com o livro, Dante, que se coloca na história, é escolhido por Deus para aventurar-se pelo inferno, purgatório e, então, céu, como uma examinação de sua consciência. Ele é guiado pelo inferno por um dos poetas romanos antigos mais idolatrados por Dante, Virgílio, que ele mesmo está confinado ao primeiro círculo do inferno, chamado Limbo, que abriga almas que foram virtuosas em vida, mas nunca batizadas ou nascidas em gerações antes do cristianismo estar plenamente estabelecido.
Abaixo do Limbo, vem o segundo círculo da luxúria, então gula, avareza, ira, heresia, violência, fraude e, finalmente, o último círculo da traição, bem no fundo do inferno, onde Satanás reside. Cada círculo que vemos exibe diferentes torturas internas, dependendo do pecado, como as almas na luxúria, que são eternamente pegas em um vento tempestuoso, colidindo contra rochas e faces de penhascos, e um rio escaldante de sangue chamado Flegetonte, na sétima camada do inferno, que prende os pecadores da violência em suas correntes ferventes.
No fundo da pintura, podemos ver Satanás, retratado no livro como sendo um demônio titânico de três faces, chorando rios de sangue e enclausurado em gelo até a cintura. Semelhante ao filme “As Above, So Below”, a única maneira de Virgílio e Dante escaparem do inferno e alcançarem o purgatório é continuar descendo mais fundo, passando pelo corpo enclausurado de Satanás, para essencialmente alcançar o outro lado do mundo. Obviamente, há tantos detalhes na pintura que explicam os pecados e formas de tortura que Dante descreve no livro, que por si só poderia ser tema de um artigo inteiro, mas sempre acho tão fascinante que Dante tenha criado uma inteira lore de locais e personagens para o inferno com tanto detalhe, e que o artista Botticelli tenha trazido tais detalhes para a vida nesta pintura.
O pintor italiano continuaria a produzir outras obras dedicadas à “Divina Comédia”, como esta pintura de Fraude, o oitavo círculo do inferno, também conhecido como Malebolge, mostrando dois dos dez diferentes fossos de tortura que existem nesta camada, dependendo do tipo de fraude cometida. O fosso superior é para rufiões e sedutores, onde as almas são forçadas a marchar em fila única ao redor da circunferência de seu círculo, sendo constantemente chicoteadas e açoitadas por demônios. Abaixo está o fosso para almas que cometeram excessiva adulação, imersas para sempre em um rio de excremento humano, simbólico de como os aduladores viveram suas vidas. Dante e Virgílio podem ser vistos em seis pontos diferentes na pintura, interpretando suas viagens através de Malebolge, observando cada tortura de pecado enquanto progridem.
Quando li o livro pela primeira vez, achei a física de como exatamente essa arquitetura funcionaria no inferno um pouco confusa, talvez porque foi escrito em uma época em que a gravidade ainda não havia sido descoberta, então dou um desconto a ele. Mas devo dizer que ver as diferentes formas de punições, bem como as muitas camadas e marcos descritos no poema, trazidos à vida em sua ilustração, realmente complementa a história e adiciona muito contexto a como as coisas funcionam no universo que Dante descreve.
Dante até diz, em certo ponto, que o inferno é uma espiral sem fim de tormento, com gritos de inúmeras almas clamando em dor e horror. Com isso em mente, acrescenta muito mais peso ao que vemos nesta pintura.
Esta próxima pintura circular, conhecida como tondo, é denominada “Dante e Virgílio no Submundo”, de Filippo Napoletano. Como o título indica, esta pintura é, mais uma vez, baseada na literatura medieval do “Inferno” de Dante, desta vez exibindo uma cena caótica de várias almas, bestas e demônios em estado de tortura, em quase todos os espaços da pintura. Almas podem ser vistas caindo de um alto edifício no poço abaixo, com criaturas horríveis vagando pelo solo e devorando aqueles em seu alcance. Embora seja bastante ambíguo a qual camada do inferno de Dante isso pretende ser uma representação, há uma criatura distinta que pode ser vista à extrema direita que parece ser um monstro semelhante a um cão de três cabeças. Isso poderia ser uma representação da besta Cérbero, que habita no terceiro círculo do inferno, reservado para os pecadores da gula.
As almas que estão para sempre presas neste círculo, de acordo com Dante, são forçadas a caminhar e rastejar através de lama fétida e lodo, com chuva pesada e fria e granizo caindo sobre elas incessantemente. Além disso, com as terríveis bestas de Cérbero guardando o círculo, aquelas almas azaradas que cruzam seu caminho são despedaçadas impiedosamente. Em um ponto, a besta até tenta atacar Dante e Virgílio, mas Virgílio reage enfiando lodo nas bocas da besta, permitindo que eles escapem.
Novamente, a arquitetura desta pintura é extremamente dominante e colossal, muito reminiscente das arcadas e estruturas romanas. O aspecto que mais me comove nesta pintura é a escala do massacre que nos é apresentada. Tantas almas sendo torturadas e mutiladas de maneiras extremamente perturbadoras, e há algo naquele solo sombrio e sombreado para onde as almas chegam que, para mim, realmente transmite a ilusão de ser um poço sem fim que aprisiona todos que por ele transitam.
Embora não seja tão perturbador, na minha opinião, quanto as pinturas do inferno de Hieronymus Bosch (e não se preocupem, certamente chegaremos a essas em breve), há uma semelhança distinta com o estilo de Bosch aqui que parece captar. Talvez seja o nível de detalhe e os demônios com aparência animal apresentados nesta peça, já que Bosch também retratou muitos de seus demônios como grandes animais grotescos engolindo almas de uma só vez. Bem, uma coisa que simplesmente não entendo é o que é aquele gigantesco lagostim – sério, o que é aquilo? Fora isso, a pintura é muito satisfatória de se observar por longos períodos, permitindo que você descubra detalhes conforme decifra o que cada personagem e monstro poderia significar e como Dante poderia ter se sentido ao ser apresentado a essa exibição grotesca por Virgílio quando ele o levou lá.
A próxima pintura é interessante, pois o foco deste trabalho não está exatamente centrado no conceito do inferno, mas em um tema religioso mais específico. Esta pintura é chamada “O Juízo Final”, do artista do início do Renascimento, Fra Angelico. Considerando que Dante e Angelico eram ambos da mesma região da Itália moderna e ambos eram artistas medievais por direito próprio, acho intrigante que ambos também compartilhassem uma fascinação pelo além e expressassem suas próprias interpretações dele. Esta pintura foi originalmente uma pintura mural na igreja de, e por favor, me perdoem se eu disser isso errado para qualquer falante italiano lá fora, Santa Maria degli Angeli, em Florença, completada aproximadamente entre 1425 e 1431. Cristo é mostrado no centro superior da pintura como a figura mais proeminente, olhando para baixo e julgando as almas abaixo dele. A estranha construção de concreto que podemos ver no centro inferior desta peça é uma série de sepulturas e túmulos que acabaram de ser abertos e liberaram multidões de almas que vemos de um lado ou de outro, sendo abençoadas para entrar no céu ou levadas por demônios ferozes para o inferno. Até mesmo os gestos de Cristo acima indicam isso, pois seu braço direito está levantado quase em louvor ao lado que contém o paraíso, enquanto sua mão esquerda pende solta e displicentemente em direção ao inferno, mostrando os atos simultâneos de Cristo de conceder salvação ou condenação.
Descobri esta pintura quando era bastante jovem, nunca consigo lembrar como ou onde exatamente, mas o impacto que ela me causou sempre permaneceu o mesmo. A representação do céu por Angelico parece bastante calmante, com almas de mãos dadas e auréolas ao redor de suas cabeças, vagando por jardins vibrantes – no geral, muito inofensivo, como deveria ser, afinal, é o céu. No entanto, sua representação do inferno, do lado direito da pintura, é o que verdadeiramente me assombrou quando a vi pela primeira vez. Almas podem ser vistas sofrendo em diferentes catacumbas de tortura: no topo, almas podem ser vistas cortadas e desmembradas enquanto penduradas no teto e sendo alimentadas a algum monstro parecido com um crocodilo no extremo direito. À medida que descemos, começamos a ver almas forçadas a consumir a si mesmas, apertadas juntas para serem fervidas vivas em caldeirões maciços; então, finalmente, vemos Satanás à espreita no fundo, alimentando-se das almas que caem em seu alcance. O olhar no rosto de Satanás é animalístico, com olhos brancos frios e mortos que olham diretamente para o espectador. Mesmo fora da entrada do inferno, a pintura é extremamente caótica e angustiante, um olhar desesperado de pavor nos rostos das almas enquanto são empurradas para o inferno pelos demônios é extremamente poderoso, com alguns jogando seus braços para os céus, implorando por perdão e para que Jesus não os abandone. Portanto, se houvesse alguma pintura capaz de incutir o temor de Deus nas pessoas, teria pensado que esta obra teria cumprido seu propósito na época medieval, um período em que o medo religioso era um aspecto muito real nas muitas sociedades da Europa naquela época.
Há algo naquele rosto de Satanás que realmente mexe comigo toda vez que olho para ele, e o fato de uma ilustração tão gráfica de dor e angústia existir em uma igreja, eu acho igualmente perturbador. Um lembrete brutal para a população daquela época de obedecer aos ensinamentos de Deus, ou isso é o que aconteceria com você. É, certamente, uma maneira impactante de passar a mensagem.
Ok, eu mencionei ele algumas vezes já, e seria insano se eu decidisse não incluir seu trabalho para este artigo. Novamente, apesar do fato de que o inferno não foi pretendido ser o tema principal de sua pintura, a imagem do submundo contida dentro dela ainda permanece como um dos exemplos mais famosos de arte do inferno, por falta de um termo melhor. Este é “O Jardim das Delícias Terrenas” por Hieronymus Bosch. Honestamente, há tantas coisas singulares para discutir nesta obra que ela realmente merece seu próprio artigo, mas, para permanecer o mais possível no tema, tentarei ser bastante breve.
Pintado aproximadamente em 1503, esta pintura, apesar de parecer muito similar em estilo ao “Juízo Final” de Fra Angelico e conter igualmente muitos temas religiosos, acredita-se que esta pintura foi, de fato, completada em devoção ao casamento de Henrique III, o Conde de um estado europeu medieval conhecido como Nassau-Breda, e foi exibida no palácio da família Nassau em Bruxelas. Baseado nesta teoria, a pintura é acreditada servir quase como um guia para uma aliança matrimonial bem-sucedida e como uma visão geral de ambos seus benefícios e perigos.
No painel esquerdo, podemos ver o Jardim do Éden e os personagens de Adão e Eva, com o que se acredita ser Jesus Cristo abençoando sua união. O que acho interessante é como Adão estica suas pernas e pés, quase como se estivesse tentando tocar ou se conectar com Jesus de alguma maneira; isso poderia até ser momentos depois de Adão ter aberto seus olhos na Terra pela primeira vez.
O propósito desta cena bíblica, de acordo com a maioria dos especialistas, é simbolizar o primeiro e mais puro casamento entre homem e mulher na humanidade, um conceito que foi abordado por muitos outros artistas antes e depois desta obra ter sido completada. Embora, no contexto da pintura de Bosch, com o conceito matrimonial mencionado anteriormente em mente, possa ser um lembrete solene de um ato pecaminoso de luxúria, já que, de acordo com a Bíblia, Eva é percebida como a imagem da tentação, e o olhar de Adão poderia indicar os primeiros passos em direção ao pecado.
Considerando quão enfaticamente religiosos os europeus eram naqueles dias, com Bosch sendo um exemplo primordial disso, não é nenhuma surpresa que ele ilustraria esse conceito para uma pintura supostamente criada para uma aliança matrimonial bem-sucedida. As criações de Deus podem ser vistas espalhadas por toda a pintura com o estilo único de Bosch. Sempre senti que ele tinha um talento real para fazer seus animais incrivelmente expressivos, não apenas em seus rostos, mas na maneira como se movem e posam. No painel central, somos apresentados a ainda mais cores vibrantes, figuras e animais em grande abundância.
Tematicamente, acredita-se que o painel central seja destinado a representar o que é conhecido como humanidade antes do dilúvio, um período bíblico que foi frequentemente embelezado por escritores medievais e era considerado um período altamente significativo por Bosch e outros cidadãos da época. Acredita-se que muitas outras criaturas e seres viveram na Terra antes do grande dilúvio, incluindo gigantes, o que pode explicar as frutas e objetos de tamanho exagerado que nos são apresentados.
No entanto, se olharmos mais de perto, Bosch parece não se conter na ilustração de temas sexuais e atos de pecado. Apesar de quão harmoniosa e quase em unidade com a natureza esta multidão de pessoas possa parecer, se nos remetermos novamente à teoria de que isso foi criado para ser um guia “perfeito” para um casamento “perfeito”, essa cena quase onírica de devaneios, pastoreio e promiscuidade pode ser observada como um campo de corrupção, uma população excessivamente crescente de homens e mulheres pecaminosos antes de Deus convocar Noé para construir sua famosa arca, à frente do grande dilúvio que “limparia” a Terra. Mas, sendo esta uma pintura de Bosch, e se realmente foi criada para expressar a natureza do pecado, então não estaria completa sem o que nos é apresentado no último e final painel à direita.
Este painel resume exatamente por que “O Jardim das Delícias Terrenas” está incluído no tópico de hoje. Aqui, somos apresentados às almas de homens e mulheres que sucumbiram às suas tentações pecaminosas e estão sendo punidos de maneiras incrivelmente gráficas e horríveis, e novamente, em enorme abundância. A interpretação do inferno por Bosch não é apenas pungente e aterrorizante, mas também única e fascinantemente imaginativa, estourando com detalhes não apenas em realismo impressionante para o período, mas também em escala. Por exemplo, enormes multidões de almas à distância são pintadas quase microscopicamente pequenas, mas simultaneamente nítidas em detalhes.
Quando digo que esta pintura é imaginativa, quero dizer isso de forma bastante literal, no sentido de que apenas um artista com uma imaginação tão vívida poderia possivelmente ilustrar uma cena como esta com criaturas e estruturas tão bizarras. Uma das primeiras coisas que você provavelmente notará é a curiosa exibição de partes do corpo humano. O mais proeminente desse conceito está no centro do painel, na forma de um torso humano em forma de casca de ovo, com uma aparência quase de casa na árvore e uma cabeça e rosto humanos olhando além do espectador. Dentro deste “homem-árvore” há uma configuração semelhante a uma taverna, onde almas e demônios residem.
Houve também debates sobre se essa figura poderia, de fato, ser um autorretrato de Bosch, o que poderia adicionar um leve senso de ironia e humor ao seu ofício e imaginação, se esse for o caso. De longe, porém, os aspectos mais cativantes da pintura para mim são os tormentos horríveis e bizarros que Bosch ilustra por todo o painel em tão grande detalhe.
Provavelmente, você notará que essas almas estão nuas, novamente como nos painéis anteriores, mas há uma diferença chave: onde antes pareciam despreocupadas com sua nudez e até mesmo a celebravam, no painel do inferno, há exemplos dessas almas agora cobrindo suas áreas íntimas, como se agora estivessem completamente envergonhadas de estar nuas. Simultaneamente, elas estão sendo cortadas, queimadas, empaladas e devoradas.
Não menos do que um suposto príncipe do inferno, na forma de um monstro com cabeça de pássaro, engolindo pessoas inteiras e excretando-as através de uma cavidade de vidro esférica abaixo dele. E, se isso não fosse bizarro o suficiente em termos de imagens, logo abaixo do príncipe do inferno pode ser vista uma alma feminina olhando seu próprio reflexo através das nádegas de um demônio. Não sei nem por onde começar com isso; é tão ortodoxo e surreal que não consigo deixar de ponderar o que exatamente estava passando pela mente de Bosch quando concebeu esses conceitos estranhos e os pintou.
Mesmo que o verdadeiro propósito desta pintura ainda seja fortemente debatido, como a maioria da arte medieval do seu período, não se pode negar o quão profundamente o catolicismo estava enraizado na Europa na época, e um dos pecados mais fortemente reprovados entre os mais fiéis era o ato da luxúria e da sexualidade livre. Desde a primeira introdução de Adão a Eva, olhando para ele de forma sedutora, até a massa de pessoas abraçando o prazer no meio, chegando até os castigos temáticos quase sexuais do inferno, não me surpreenderia nem um pouco se essa fosse sua intenção. Mas, independentemente do que esta pintura realmente significa ou qual sua intenção, ela inspirou tantos outros artistas, músicos e escritores por gerações por um motivo.
É uma obra-prima absoluta, uma habilidade incrível entre outros artistas do seu estilo na época.
